Recensioni

Creatori: Zach Lipovsky e Adam Stein

Un gruppo di giovani sopravvive miracolosamente a una tragedia apparentemente inevitabile grazie a una premonizione. Ma la Morte, come sempre, non accetta di essere ingannata: uno dopo l’altro, i sopravvissuti iniziano a morire in modi sempre più inquietanti e imprevedibili. Questa volta, però, il filo conduttore affonda le radici nel passato: una misteriosa connessione familiare lega le vittime a un evento accaduto anni prima, suggerendo che il destino non colpisce a caso… ma segue una linea di sangue precisa.

Con Final Destination: Bloodlines siamo ormai al sesto capitolo della saga, e la pellicola resta fedele ai binari classici della serie: lo spettatore sa già cosa aspettarsi e, in fondo, è proprio quello che vuole. L’attesa non è tanto per la storia quanto per il “come”: morti sempre più elaborate, fantasiose e costruite come piccoli meccanismi a orologeria pronti a scattare.

Se da un lato questa formula continua a funzionare grazie a un’inventiva visiva ancora efficace, dall’altro è inevitabile avvertire una certa ripetitività di fondo. Il tentativo di inserire un legame con il passato e con una linea familiare aggiunge un minimo di variazione, ma non basta a rivoluzionare davvero la struttura narrativa.

Se vi sono piaciuti gli altri capitoli, questo è senza dubbio uno dei più riusciti degli ultimi anni; se invece avete già intuito il gioco e vi ha stancato, difficilmente cambierete idea: la Morte, anche stavolta, segue lo stesso copione.

Creatore: Lee Cronin

La giovane figlia di un giornalista scompare misteriosamente nel deserto egiziano. La famiglia, distrutta dal dolore, prova a ricostruire la propria vita, ma otto anni dopo la ragazza riappare improvvisamente. Quello che dovrebbe essere un ricongiungimento felice si trasforma presto in un incubo: la bambina non è più la stessa e sembra portare con sé un’antica e oscura maledizione legata a una mummia e a forze sovrannaturali.

Dimenticatevi i film avventurosi di qualche anno fa: La Mummia di Lee Cronin è un horror a tutti gli effetti.

Il regista firma una pellicola fortemente autoriale che segue il filo rosso già intrapreso con La Casa - Il Risveglio, e nel finale, a tratti, sembra davvero di essere tornati dentro una pellicola della saga di La Casa, pescando a piene mani dall’immaginario folle e dissacrante di Sam Raimi.

La Mummia, per un genitore, è un vero colpo allo stomaco: una figlia scomparsa che riappare in quelle condizioni otto anni dopo è un’immagine difficile da sostenere emotivamente. Spesso è più l’angoscia della paura a dominare la scena, una sensazione che probabilmente colpirà in modo particolare chi si accinge alla visione con una sensibilità genitoriale.

La pellicola, pur seguendo una struttura piuttosto classica — con tanto di inevitabile spiegone del professore universitario che traduce in pochi secondi una misteriosa pergamena in pelle umana — trova nella regia e nel comparto sonoro i suoi veri punti di forza. La telecamera non rimane mai ferma ed entra ed esce continuamente dalle stanze della casa, ricordando soluzioni già viste in Presence. Le inquadrature sono studiate nei minimi dettagli per trasmettere allo spettatore un costante senso di disagio, amplificato da un sonoro fatto di scricchiolii e sospiri raggelanti.

La Mummia è anche un film dichiaratamente splatter: erano anni che l’horror non affrontava questo registro con una tale intensità, e in alcune sequenze lo spettatore potrebbe trovarsi davvero disgustato da ciò che vede sullo schermo.

Insomma, è un film perfetto? No, non lo è. Gli attori, per buona parte della durata, si limitano a sfoggiare espressioni incredule e terrorizzate senza mai prendere decisioni davvero sensate. Va bene la sospensione dell’incredulità — elemento fondamentale nel genere horror — ma qui si raggiungono livelli piuttosto estremi: la polizia sembra non esistere, il sistema sanitario sparisce e accadono eventi terribili che, dopo pochi minuti, vengono archiviati con troppa facilità.

La Mummia resta comunque un buon film horror, capace di regalare emozioni forti e momenti di autentica tensione. Non sarà un capolavoro, ma in un panorama spesso povero di idee, ben vengano film così.

Creatore: Eiichirō Oda

One Piece è una serie televisiva nippo-statunitense del 2023 creata da Matt Owens e Steven Maeda. Distribuita da Netflix, rappresenta l’adattamento live action dell’omonimo manga di Eiichirō Oda, che ha partecipato attivamente al progetto come consulente creativo.

La prima stagione è stata la serie  più vista su Netflix nella seconda metà del 2023. Due settimane dopo l’uscita è arrivato il rinnovo per una seconda stagione e, nell’agosto 2025, la serie è stata addirittura rinnovata per una terza stagione prima ancora della distribuzione della seconda: un segnale evidente della fiducia riposta nel progetto.

Riassumere la trama di One Piece in poche parole è pressoché impossibile, vista la mole sterminata di capitoli del manga e di episodi dell’anime, ancora oggi in corso. La serie live action ripercorre principalmente i primi archi narrativi, raccontando la formazione della ciurma guidata da Monkey D. Rufy, giovane pirata il cui corpo ha acquisito le proprietà della gomma dopo aver ingerito un Frutto del Diavolo. Il suo sogno è diventare il Re dei Pirati e trovare il leggendario tesoro noto come One Piece.

La serie riesce in qualcosa che molti fan ritenevano impensabile: trasportare sullo schermo la carica visiva e narrativa del manga, mantenendo intatta la follia creativa dell’opera originale. I personaggi, pur provenendo da un immaginario fortemente stilizzato, riescono a creare empatia fin da subito. Ciò che emerge con forza è l’affiatamento del cast: lo spettatore percepisce chiaramente che gli attori si stanno divertendo a interpretare quei ruoli, e questo entusiasmo diventa contagioso.

La regia propone soluzioni visive sorprendenti, soprattutto nella prima stagione, con grandangolari molto spinti e movimenti di macchina dinamici che ricordano vere e proprie montagne russe. I combattimenti, pur non essendo numerosissimi, risultano efficaci proprio grazie all’uso di campi larghi e alla scelta di evitare un eccessivo ricorso ai primi piani, valorizzando così la coralità dell’azione.

Anche gli effetti speciali meritano una menzione: il mix tra CGI e scenografie reali è convincente e contribuisce a rendere credibile un universo che, sulla carta, poteva risultare difficile da adattare. Particolarmente riuscita è la scelta di realizzare molti villain attraverso trucco prostetico e interpretazioni fisiche, evitando un abuso di personaggi interamente digitali.

La seconda stagione segue il solco tracciato dalla prima, pur adottando una regia leggermente più tradizionale e meno sperimentale.

One Piece può essere definita una sorta di road movie marittimo: una grande avventura piratesca che attraversa isole sempre diverse tra loro, ognuna con una propria identità narrativa. Le storie oscillano tra momenti buffi e passaggi più drammatici, ma conservano sempre quella follia creativa e quella genialità che hanno reso celebre il manga.

In definitiva, One Piece è una trasposizione sorprendentemente fedele allo spirito dell’opera originale. Una delle migliori produzioni Netflix degli ultimi anni e, senza dubbio, uno degli adattamenti live action più riusciti mai realizzati.

Creatore: Paolo Strippoli

Sergio (Michele Riondino), un insegnante tormentato, scopre che la felicità surreale degli abitanti del luogo nasconde un macabro rituale: scaricare i propri traumi abbracciando Matteo, un adolescente capace di assorbire il dolore degli altri.

Paolo Strippoli ci accompagna per mano in un'atmosfera surreale, dove l'impossibile viene accettato come qualcosa di perfettamente normale dagli abitanti del posto. Il racconto oscilla costantemente sul filo del bene e del male, e si comprende fin da subito che la situazione creata non potrà che degenerare.

Ma l'inevitabile tragedia, rispetto a molte produzioni straniere, qui arriva con intelligenza ed equilibrio. Nella pellicola di Strippoli non esistono veri buoni o cattivi: esistono solo le conseguenze delle pulsioni umane.

Persino il protagonista, devastato dalla morte del figlio, finisce per diventare dipendente dai sentimenti stessi, sia quelli più oscuri che quelli apparentemente liberatori.

La valle dei sorrisi è un dramma con venature horror, sostenuto da una regia tagliente che fa ben sperare per il futuro del nostro cinema di genere.

Chi mi segue lo sa: amo il cinema di genere nostrano, quello che si distacca dalle solite commedie corali nazionali. Un cinema coraggioso che, pur senza una forte macchina pubblicitaria alle spalle e senza grandi incassi, riesce comunque a realizzare prodotti di assoluto rispetto, proprio come questo film.

E, nonostante non sia un horror in senso stretto, un paio di scene rimarranno impresse nella memoria… e forse anche nei vostri incubi.

E ora sorridete…

Creatore: Mike Flanagan

The Life of Chuck racconta la vita di Charles “Chuck” Krantz attraverso una struttura narrativa insolita, divisa in tre atti raccontati a ritroso nel tempo.

Il film inizia in un mondo che sembra avviarsi verso la fine, dove misteriosi messaggi di ringraziamento a Chuck compaiono ovunque. Proseguendo, la storia mostra momenti apparentemente ordinari ma significativi della sua vita adulta, fino ad arrivare alla sua infanzia, rivelando poco alla volta chi fosse davvero Chuck e perché la sua esistenza sia così importante.

Il film è tratto da un racconto di Stephen King e diretto da Mike Flanagan, ed è una storia più emotiva e riflessiva che horror, incentrata sul valore della vita e dei ricordi.

Il racconto era presente nella raccolta di Se scorre il sangue e, già all'epoca, ritenni fosse il migliore dell'intero volume. Evidentemente lo ha pensato anche Mike Flanagan, ormai specializzato nelle trasposizioni kinghiane — da Il gioco di Gerald a Doctor Sleep — oltre ad aver realizzato, a mio parere, una delle migliori serie horror di sempre: The Haunting.

Se siete persone romantiche, con una vena malinconica, questo film è per voi.

Vi farà sorridere, commuovere e vi porterà a ripensare al vostro passato, a quando, un giorno qualunque, vi capitava di mettervi a ballare per strada, liberi, senza preoccuparvi degli sguardi altrui o di chi vi giudica.

È una pellicola che, superficialmente, potrebbe sembrare leggera; in realtà è un film profondo, costruito su eventi appena accennati. Si percepisce una fine del mondo in arrivo, collegata alla malattia del protagonista, ma questo è solo un pretesto per parlare a ognuno di noi: dell'importanza della vita, della necessità di godersi la felicità e, infine, di un vero e proprio mantra kinghiano — quando senti la musica giusta, balla e fregatene di tutto — perché il ballo è sinonimo di vita e libertà.

Il film è diviso in tre atti ben distinti, in cui vediamo il protagonista in diverse fasi della sua vita; anche la regia e la fotografia sembrano cambiare ogni volta, seguendo l'evoluzione della storia. La voce fuori campo, pur essendo molto presente, non risulta mai fastidiosa; al contrario, contribuisce a rendere l'atmosfera ancora più poetica.

La scena del ballo, da sola, merita la visione: è ricca, coinvolgente ed emozionante, nonostante sia accompagnata soltanto dal ritmo di una batteria.

È il film che cambierà la storia del cinema? No.
Quando è uscito ha avuto successo? No, per niente.

Ma è una pellicola che fa bene all'anima. E se state attraversando un periodo un po' così, un po' triste e malinconico (come la parte della sposa, cit.), questo film potrebbe essere proprio ciò che vi serve.

Creatore: William Oldroyd

Anna Andrews (Tessa Thompson), giornalista in crisi, torna nella sua città natale in Georgia per indagare sull’omicidio di un’amica d’infanzia. Un caso che la costringe a collaborare — e inevitabilmente scontrarsi — con l’ex marito Jack Harper (Jon Bernthal), detective incaricato delle indagini. Tra vecchi rancori, segreti mai sepolti e sospetti reciproci, il passato riemerge con tutta la sua forza.

Netflix ci ha ormai abituati a lanciare, quasi in sordina, miniserie poco pubblicizzate che finiscono poi per ritagliarsi uno spazio importante tra gli appassionati del genere. La sua verità rientra perfettamente in questa categoria.

Si tratta di un thriller solido e coinvolgente, tra i più riusciti presenti sulla piattaforma: cupo, diretto, a tratti persino spigoloso, ma sempre efficace. Il vero punto di forza sta nei personaggi, tutt’altro che lineari, costruiti su ambiguità e zone d’ombra che emergono progressivamente nel corso delle sei puntate.

I continui colpi di scena — mai gratuiti — e una regia essenziale, ma funzionale, accompagnano lo spettatore in un racconto che non cerca di reinventare il genere, ma lo interpreta con sicurezza e personalità.

Un’ottima scelta per chi ha voglia di un thriller teso e avvolgente, di quelli che confermano come, quando si tratta di questo tipo di storie, gli americani sappiano ancora colpire nel segno.

Creatore: George R. Martin

Circa novant’anni prima degli eventi de Game of Thrones, il giovane cavaliere errante Ser Duncan l’Alto (Dunk) e il suo scudiero Egg — apparentemente un ragazzo qualunque — affrontano tornei, intrighi e sfide per dimostrare coraggio e lealtà. Tra alleanze inaspettate, tradimenti e rivelazioni sul destino reale di Egg (Aegon Targaryen), i due imparano cosa significhi essere davvero cavalieri in un mondo crudele e spietato.

Tratta da una novella di George R. R. Martin e ambientata novant’anni prima dei fatti de Game of Thrones, questa “piccola” serie si incastra perfettamente nel mondo creato dall’autore, ma lo fa in modo intelligente, prendendo le distanze — finalmente — da quell’impalcatura piena di personaggi, famiglie e luoghi che funzionava benissimo ne Il Trono di Spade, ma che in House of the Dragon finiva per risultare spesso confusa e poco accattivante.

A Knight of the Seven Kingdoms invece semplifica tutto: la puoi seguire anche senza conoscere le altre serie e, proprio grazie a questo approccio più essenziale, i personaggi riescono ad arricchirsi e a mostrarsi in tutte le loro sfaccettature. Anche la trama è costruita con intelligenza, accompagnando lo spettatore verso un finale a cui si arriva pienamente consapevoli di ogni sviluppo.

Il minutaggio ridotto — circa trenta minuti a episodio — invoglia a proseguire senza sosta, rendendo la visione scorrevole e quasi “dipendente”.

Capitolo attori — e questa è una cosa di cui si parla sempre troppo poco nelle serie —: come sempre, bravissimi. Ottima anche la fotografia, a tratti granulosa, capace di restituire un’atmosfera medievale credibile e immersiva.

HBO sbarca in Italia con la sua nuova piattaforma e ci regala subito una delle migliori serie del 2026, in attesa della già annunciata seconda stagione.

Creatore: David F. Sandberg

Un anno dopo la misteriosa sparizione di sua sorella Melanie, Clover e i suoi amici si recano nella remota valle in cui la ragazza è scomparsa, in cerca di risposte. Esplorando un centro visitatori abbandonato, il gruppo viene inseguito da un assassino mascherato che li uccide uno dopo l’altro. Ma c’è un problema: ogni volta che muoiono si risvegliano all’inizio della stessa notte, intrappolati in un loop da cui sembra impossibile uscire.

Con David F. Sandberg alla regia, già autore dei riusciti Lights Out e Annabelle: Creation, il film prova a riportare il regista nel territorio horror adattando il celebre videogioco Until Dawn, uscito su PlayStation 4 e diventato negli anni un piccolo cult tra gli appassionati del genere (soprattutto per la sua esperienza in realtà virtuale).

La pellicola, però, si discosta parecchio dal materiale originale. Un cambiamento che di per sé non sarebbe un problema, se non fosse che proprio nella trama – che in un film dovrebbe rappresentare il punto di forza rispetto a un videogioco – finiscono per emergere le maggiori debolezze.

Il cast è appena sufficiente e i personaggi, volutamente stereotipati, non riescono mai davvero a creare empatia con lo spettatore. Anzi, a un certo punto si arriva quasi a sperare che spariscano dalla scena il prima possibile.

Si arriva così all’atteso finale – atteso più nel senso che si spera che il film finisca presto – in modo piuttosto confuso. E alla fine resta in testa quella domanda che un buon horror dovrebbe evitare di farti venire: se era così facile uccidere il mostro e liberarsi, perché non lo hanno fatto prima?

Il consiglio è semplice: recuperate il videogioco Until Dawn, che resta un’esperienza horror decisamente più riuscita. Questo film, invece, potete tranquillamente saltarlo.

Creatore: Daniel Chong

La protagonista Mabel, una giovane amante della natura, utilizza una tecnologia rivoluzionaria per trasferire la propria mente in animali robotici, esplorando il mondo naturale e vivendo un’avventura dal forte sapore ecologico.

Torna la Pixar con una nuova pellicola che già dalla sinossi lascia intuire chiaramente dove vuole andare a parare: vivere in armonia con la natura potrebbe essere l’unica via di fuga da un’epoca fatta di soprusi, incarnati dal personaggio del sindaco, e di cieca fame di potere, rappresentata dalla farfalla.

Uno degli aspetti più interessanti del film è l’assenza di una divisione netta tra buoni e cattivi. Persino la protagonista, nonostante le sue nobili intenzioni, commette errori che rischiano di provocare conseguenze irreparabili. Un’idea interessante sulla carta, che però non sempre trova una piena realizzazione sullo schermo.

Il problema è che, nel tentativo di ribadire il messaggio a tutti i costi, la struttura del film finisce per scricchiolare. Il ritmo è zoppicante e i personaggi sembrano uscire da uno stampo ormai troppo riconoscibile: gli anziani sono immancabilmente saggi e un po’ svitati, i ricchi sempre arroganti e viziati, mentre i protagonisti restano i soliti solitari presi di mira da tutti.

Serve un cambio di marcia. In Jumpers, così come nel precedente Elio, si ha spesso la sensazione di assistere a un film che procede con il pilota automatico. La creatività e la freschezza che per anni hanno reso Pixar uno studio capace di sorprendere sembrano, almeno per ora, un po’ appannate.

In attesa di Toy Story 5, con il timore che possa trasformarsi nell’ennesima critica alla tecnologia, resta la speranza di ritrovare presto la Pixar dei tempi migliori: quella capace di regalarci opere come Coco, Inside Out e Wall-E.

Creatore: Scott M. Gimple

Interpreti: Andrew Lincoln e Danai Gurira

The Walking Dead: The Ones Who Live è una miniserie, sesto spin-off del franchise The Walking Dead, nonché terzo sequel ufficiale, che riporta in scena Andrew Lincoln e Danai Gurira nei ruoli iconici di Rick Grimes e Michonne.

La storia ruota attorno al loro ricongiungimento, anni dopo la presunta morte di Rick. Separati dalla potente CRM (Civica Repubblica Militare), i due cercano di ritrovarsi in un mondo profondamente cambiato, affrontando minacce che non arrivano solo dai morti, ma soprattutto dai vivi.

La miniserie parte bene. Anzi, molto bene. Riesce a restituire allo spettatore quell’alchimia tra i personaggi che nelle ultime, stancanti stagioni della serie madre si era progressivamente dissolta. Rivedere Rick e Michonne insieme funziona, e funziona perché Lincoln e Gurira hanno ancora una chimica potente, con Gurira che spesso riesce persino a rubare la scena.

Peccato che, già dalle prime puntate, emergano alcune crepe difficili da ignorare. Le motivazioni dei protagonisti risultano spesso fragili: lasciare due figli in un mondo infestato dagli zombie per inseguire un ricongiungimento romantico? Oppure temere di scappare dalla Repubblica Militare perché “verrebbero a cercarti e sterminerebbero la tua famiglia”… come? dove? perché? Sono interrogativi che la serie solleva, ma non si prende mai davvero la briga di affrontare.

Tolte queste incongruenze — ormai quasi un marchio di fabbrica del franchise — le prime puntate scorrono via con un buon ritmo. Il problema arriva dopo. Proprio come accadeva nella serie madre, il soggetto iniziale si sgonfia e lascia spazio a una parte centrale che dovrebbe alzare la posta in gioco… ma finisce per diventare un enorme punto interrogativo.

Finalmente si può scappare? No. Perché? Perché vogliamo distruggere il CRM. Da soli. Senza un piano credibile. E i figli lasciati a casa? Dettagli.

Il finale poi riesce nell’impresa di superarsi. In dieci minuti, con una soluzione che definire “alla Bugs Bunny” è quasi un complimento, i protagonisti annientano un esercito, eliminano il villain di turno (caratterizzato più dai capelli improbabili che da una reale profondità), sfuggono a orde di zombie, trovano il tempo di baciarsi, liberano la Repubblica… ma chi te l’ha chiesto?

E soprattutto: era davvero questo il punto?

Il rientro a casa, dai due figli praticamente dimenticati per tutta la stagione, dovrebbe essere il momento emotivamente devastante. Invece lascia un senso di vuoto, come se la serie fosse più interessata a chiudere il cerchio in fretta che a dare peso alle conseguenze.

Ed è un peccato. Perché The Walking Dead, fino alla sesta stagione, era stata una ventata d’aria fresca nel panorama televisivo, per me quasi al livello di Lost per impatto culturale e capacità di creare attesa. Poi è subentrata la paura di chiudere. E quando una storia continua per inerzia, spesso finisce per svuotarsi.

Ah, quasi dimenticavo: sì, ci sarebbero anche gli zombie. Ma sembrano comparse nel loro stesso mondo.

Creatore: Stefano Sollima

Interpreti: Marco Bullitta, Valentino Mannias

La miniserie racconta le indagini sugli omicidi avvenuti tra il 1968 e il 1985 per mano del serial killer noto come Mostro di Firenze.

La narrazione si concentra in particolare su uno dei tre filoni investigativi che hanno caratterizzato il caso: la celebre pista sarda. Veniamo introdotti a una galleria di personaggi cupi, violenti, deviati, figure opache in cui l’umanità sembra spesso assente o soffocata.

Il Mostro è una miniserie che non concede tregua al sorriso. Le sue quattro ore sono attraversate da un’atmosfera malsana, claustrofobica, profondamente disturbante. Non tanto per ciò che mostra — il “mostro” non appare mai davvero — quanto per ciò che accade ai personaggi, per il senso costante di degrado morale e ambiguità che li avvolge.

La sensazione, durante la visione, è quella di sfogliare un fascicolo processuale: tutto è freddo, asciutto, quasi anaffettivo. Le emozioni restano in superficie, raramente esplodono, e questa scelta rende il racconto ancora più straniante.

Il finale rimanda alla seconda pista investigativa, lasciando chiaramente aperta la porta a una possibile prosecuzione.

A distanza di ore dalla visione faccio ancora fatica a capire se mi sia piaciuta davvero oppure no. Di certo è un’opera che impressiona. E proprio per questo sarà difficile dimenticarla.

Creatore: Geneva Robertson-Dworet

Interpreti: Ella Purnell, Walton Goggins

La serie Fallout è ambientata 200 anni dopo una devastante guerra nucleare che ha trasformato gli Stati Uniti in una landa radioattiva. Quando Lucy, giovane abitante del Vault 33 cresciuta in un mondo protetto e idealizzato, è costretta a uscire in superficie per salvare suo padre, si ritrova catapultata in un Wasteland brutale e dominato da fazioni in lotta. Nel suo viaggio incrocia un enigmatico Ghoul sopravvissuto all’apocalisse e un aspirante cavaliere della Confraternita d’Acciaio. Tra violenza, ironia nera e atmosfere rétro-futuristiche, la serie esplora il lato oscuro del sogno americano e i segreti dietro la nascita dei Vault.

Fallout è una serie che gioca costantemente a spiazzare lo spettatore, alternando intuizioni brillanti a scelte meno convincenti. Si muove sul filo dell’ironia, ma sotto la patina rétro e il sarcasmo affonda il colpo su temi pesanti: guerra, violenza, avidità, il lato più tossico del sogno americano. Il mondo post-apocalittico non è solo scenografia, è uno specchio deformante ma lucidissimo della nostra realtà.

La narrazione è ambiziosa e piena di diramazioni, forse anche troppe: alcune piste intrigano, altre sembrano aperte più per creare mistero che per reale necessità narrativa. Nonostante questo, la serie mantiene ritmo e personalità. Il cast funziona, gli effetti speciali sono solidi e l’estetica è curata nei minimi dettagli, ma ciò che colpisce davvero è l’atmosfera: sporca, crudele, cinica al punto giusto.

Non è perfetta, ma ha carattere. E in un panorama seriale sempre più standardizzato, non è poco.
In attesa della terza stagione, la visione è consigliata. Per chi ha amato il videogioco da cui nasce, invece, è quasi obbligatoria.

Creatore: Ryan Coogler

Interpreti: Michael B. Jordan,

È il film con più candidature di sempre al premio Oscar, ben 16, ed è considerato da molti uno dei migliori dell’anno. Mi sono avvicinato alla visione con aspettative altissime: un horror candidato agli Oscar? Davvero? Per me, appassionato del genere, era come trovarmi davanti al Sacro Graal.

Ambientato nel Sud degli Stati Uniti degli anni ’30, I Peccatori segue il ritorno di due fratelli gemelli nella loro città natale dopo un passato segnato da violenza e scelte sbagliate. Decisi a ricominciare, aprono un locale musicale per offrire alla comunità un luogo di riscatto e speranza.

Ma il tentativo di redenzione si scontra presto con vecchi rancori, tensioni razziali e un’oscura presenza che si annida tra le ombre della notte.

Ciò che emerge con forza dalla pellicola è l’amore per il cinema che trasuda da ogni inquadratura. Ryan Coogler costruisce una regia solida e appassionata, capace di cogliere ogni attimo nel modo più efficace, sostenuta da una fotografia a tratti sublime. I Peccatori è un film che si può leggere su più piani.

Il primo, e forse il più riuscito, è quello strettamente statunitense: il sottotesto sociale è evidente. I vampiri — bianchi — diventano metafora di un potere che infetta, assimila e tenta di rendere uniforme la comunità afroamericana, mantenendo intatta la gerarchia in cui a comandare è sempre l’uomo bianco.

C’è poi il piano tecnico: musiche potenti, regia sicura, attori magnetici che trasudano sensualità e carisma rendono il film vivo, pulsante.

Infine, il piano più dolente: la trama. Quando compare il primo vampiro, è facile intuire dove andrà a parare la storia. I binari ricordano quelli di Dal tramonto all'alba, ma se lì l’effetto sorpresa era determinante, qui quella componente manca. Il risultato è un horror che, pur affascinante sul piano estetico e simbolico, finisce per non spaventare davvero.

Rimane una buona pellicola, probabilmente più significativa per il pubblico statunitense e per il suo contesto storico-sociale. Forse è anche per questo che in patria ha raccolto un consenso così ampio.

Creatore: Paul Thomas Anderson

Interpreti: Leonardo Di Caprio, Benicio Del Toro, Sean Penn

Il protagonista Bob Ferguson, ex rivoluzionario ormai ritiratosi in una vita isolata insieme alla figlia, è costretto a tornare in azione quando un vecchio nemico, il colonnello Lockjaw, riappare dopo sedici anni e la ragazza scompare. Per salvarla, Bob si riunisce ai suoi ex compagni e si ritrova a fare i conti con il proprio passato e con le conseguenze della sua lotta, in una corsa intensa tra conflitto, ideali e protezione familiare.

Leonardo DiCaprio è in stato di grazia: potrebbe interpretare persino Gargamella e riuscire comunque a dargli spessore. Al suo fianco, il sempre sornione Benicio Del Toro è perfetto per la parte che ricopre. La pellicola di Paul Thomas Anderson, pur non essendo tra le sue migliori, si configura come una satira convinta contro ogni forma di estremismo politico: da un lato i rivoluzionari, dipinti come ottusi e ciechi nella loro battaglia, dall’altro i militari, rappresentati come psicopatici privi di emozioni sane.

Nonostante questi elementi positivi, Una battaglia dopo l’altra non mi ha lasciato l’effetto “wow” e non mi ha fatto affezionare ai personaggi. Anzi, la maggior parte li ho detestati: una scelta voluta?

Sean Penn, in particolare, esagera nella sua interpretazione, portando il personaggio all’estremo con tic e movenze fin troppo marcati. Lo spettatore finisce per pensare: ok, si vede da un miglio che è pazzo… com’è possibile che gli venga affidata addirittura un’operazione militare che dovrebbe essere delicata?

Resta comunque un’ottima pellicola, sorretta da un super DiCaprio, ma Anderson ci ha abituati ad altro.